Le modèle urbanistique de la ville est dit « postmoderne », c'est-à-dire composé de lieux discontinus ce qui se traduit dans la narration par la somme de récits subjectifs issus de personnages aux identités plurielles. Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. »[107] Si Lynch met en avant la tromperie, la manipulation et les mauvais prétextes dans la culture hollywoodienne, il insuffle également une dimension nostalgique au film et reconnaît que le véritable art provient de ce cinéma conventionnel auquel il rend hommage à travers le choix d'acteurs chevronnés comme Ann Miller, Lee Grant et Chad Everett. Avec les films de Lynch, le spectateur est toujours « un cran en retard par rapport à la narration » et par conséquent « la narration l'emporte sur la diégèse »[104]. Les infos, chiffres, immobilier, hotels & le Mag https://www.communes.com Cette jeune femme chaleureuse et talentueuse est à la fois « saine, optimiste et résolue à prendre la ville d'assaut »[98] mais aussi « ridiculement naïve »[36]. Malgré les craintes du réalisateur quant à une potentielle démystification, un feuillet contenant « Les 10 clés de David Lynch pour percer les secrets du film » est inséré dans la boîte ; selon un critique ces indices pourrait en fait être de « fausses pistes »[67]. Adam Kesher est présenté sous la forme d'un réalisateur à succès « vaguement arrogant » qui subit des humiliations les unes après les autres[137]. Elle est la plupart du temps considérée comme la version réelle de la trop parfaite Betty, ou bien il pourrait s'agir d'une version décadente de Betty après avoir vécu trop longtemps à Hollywood[46]. Camilla n’a-t-elle réussi que grâce à son talent ? En fait, la dernière fois que je l'ai vue, j'avais les larmes aux yeux car je savais comment se développait l'histoire ensuite. Bulkeley soutient que cette seule discussion sur les rêves dans cette scène offre une ouverture vers « un nouveau moyen de comprendre tout ce qui se produit dans le film »[100]. Derrière le restaurant, un sans-abri, qui est peut-être aussi le personnage monstrueux qui avait fait s'évanouir de peur cet homme au début du film, est montré en possession de la boîte bleue. Tous les éléments qui déjouaient son cinéma de bad-boy rockabilly dans le désastreux Lost Highway - c'est-à-dire l’atmosphère d'une menace flottante, la vaine transmigration des âmes, le retrait provocateur des sutures de l'intrigue, des univers alternatifs de pacotille - sont ici réhabilités de brillante façon. Le film, à l'origine destiné à être un pilote de série télévisée, est en grande partie tourné en 1999, Lynch ayant alors la volonté de laisser la fin ouverte dans l'éventualité d'une série. Malgré ce que pourrait suggérer le caractère de son personnage, Betty fait preuve d'une grande ampleur et fait forte impression lors de son audition[106],[128]. Betty ouvre son sac à main et en sort une boîte bleue dont la serrure semble correspondre à la clef de Rita. Le personnage de Rita est à la fois celui qui s'apparente à la victime sans défense et mystérieuse, mais il s'agit aussi du stéréotype de la femme fatale à la beauté sombre. L'audace visionnaire, l'érotisme intense et les couleurs qui ressortent comme celles du rouge à lèvres d'une prostituée ne se trouvent nulle part ailleurs »[48]. Rita se coupe les cheveux et enfile une perruque blonde afin de se déguiser, mais cela augmente aussi considérablement sa ressemblance avec Betty. Au Canada, la sortie a lieu le 26 octobre, le 21 novembre 2001 en France et le 9 janvier 2002 en Belgique[2]. Cette nuit-là, les deux femmes deviennent amantes ; Betty dit à Rita qu'elle l'aime. Cette interprétation est similaire à celle que Naomi Watts a expliquée dans un entretien : « Je pensais que Diane était le personnage réel et que Betty était la personne qu'elle aurait voulu être et qu'elle aurait imaginée en rêve. Ce qui semble bon possède souvent un revers négatif, voire horrible. Cependant, la distance insinuée par le film n'existe pas puisque le ranch est en réalité situé au pied du panneau[119]. La relation lesbienne modifie également l'image de femme fatale prêtée au personnage de Rita puisqu'elle semble perdre ses capacités destructrices vis-à-vis des hommes en leur préférant les femmes[114]. La grande qualité de cette édition est saluée, la méticulosité de Lynch vis-à-vis des éditions en vidéo est évoquée comme l'une des raisons possibles de cette réussite[74]. Des indices visuels viennent étayer cette hypothèse, comme certains angles de caméra qui approchent leur visage au point qu'ils n'en forment presque qu'un seul. 39 % des Français n’ont pas confiance en l’avenir 55 % des Français considèrent que « les choses étaient mieux avant » S’ils devaient choisir une époque, les Français vivraient pour… En 2008, la procédure aboutit à un arrêt de la cour de cassation définissant la copie privée comme une exception devant céder en cas d’atteinte portée à l’exploitation normale de l’œuvre[89]. »[98] Une autre critique indique que « l'érotisme [de la scène] est si puissant qu'il recouvre l'ensemble du film et qu'il modifie la teinte de toutes les scènes précédentes et de toutes celles qui suivent »[111]. Le critique du New York Times Anthony Oliver Scott réunit la thématique de la liberté interprétative et celle des dimensions sensible et inconsciente en écrivant que l’œuvre agit comme une « libération enivrante des sens, avec des instants d'autant plus puissants qu'ils semblent émerger de la nuit obscure du monde de l'inconscient. Pour Stephen Holden du New York Times, « Mulholland Drive a peu à voir avec la vie amoureuse ou l'ambition professionnelle de n'importe quel personnage. David travaille à partir de son subconscient. L'actrice Sherilyn Fenn a déclaré dans un entretien que l'idée originale était venue au cours du tournage du film Twin Peaks, la série dérivée dédiée à son personnage d'Audrey Horne[8]. »[94] Philip French de The Observer considère une allusion à la tragédie de Hollywood, alors que Jane Douglas de la BBC repousse la théorie de la vie de Betty comme rêve de Diane, elle avertit également du risque de trop analyser[94]. Le visage du sans-abri apparait alors dans la chambre. »[57]. Lynch dote alors le projet d'une fin le transformant ainsi en long métrage. Dans la scène finale, une femme auparavant aperçue au club murmure « Silencio ». Parvenez-vous à entendre le titre du film pour lequel Adam Keshner auditionne des actrices ? À l'origine composé par Jerome Kern pour être chanté en duo, ce second morceau interprété par Linda Scott prend une connotation homosexuelle dans le film selon Gans[34]. Elle a traversé une frustration sur le plan professionnel avant de connaître le succès, elle a effectué des auditions pour des rôles qu'elle pensait inaccessibles, elle a rencontré des gens qui n'ont pas donné suite à certaines possibilités. Il les invite séparément à venir effectuer des entretiens d'une demi-heure et leur explique qu'il n'a vu aucun de leurs précédents travaux au cinéma ou à la télévision[9]. Betty se rend alors à une audition que Rita l'a aidée à préparer : sa prestation y est encensée. Il raconte l'histoire de Betty Elms (Naomi Watts), aspirante actrice, fraîchement arrivée à Los Angeles, en Californie ; elle se lie d'amitié avec une femme amnésique (Laura Harring), rescapée d'un accident grâce auquel elle a échappé à un meurtre. Lynch se rappelle : « Tout ce que je sais c'est que j'ai apprécié réaliser cela, ABC a détesté, et je n'ai pas aimé les coupures que j'ai faites. Lynch a utilisé cette expression de « putréfaction humaine » à plusieurs reprises lors de la conférence de presse du Festival du film de New York en 2001. Elle organise l'assassinat de Camilla, son ancienne amante, mais incapable de faire face à la culpabilité, elle l'imagine à nouveau comme la femme dépendante, malléable et amnésique qu'est Rita. Au début du film, tout son personnage repose sur le cliché de la fille naïve issue d'une bourgade. La villa du réalisateur s'associe alors au traumatisme de Diane et la phrase « Il y a bien eu un accident à Mulholland Drive. Dans le New York Times, Stephen Holden dit que le film « se hisse à la hauteur du 8½ de Fellini et de plusieurs autres fantaisies d'auteurs et prend la forme d'une introspection monumentale », il ajoute que l’œuvre, quand elle est observée avec légèreté, présente une facette de « carnaval cinématographique » mais qu'approchée avec plus de gravité elle devient une « enquête sur le pouvoir du cinéma déchirant le vide duquel on entend les cris d'un démon vorace dont l'appétit ne peut jamais être comblé »[46]. Sans utiliser la menace, Rita parvient à ce que Betty la couve, la console et lui apporte son aide. En qualifiant succinctement son film d'« histoire d'amour dans la cité des rêves »[20], David Lynch se refuse à proposer des commentaires quant à la signification et au symbolisme de l’œuvre : cela entraîne de nombreux débats et des interprétations multiples. Après que Diane a tiré, le lit est recouvert de volutes de fumée, puis Betty et Rita se sourient mutuellement, enfin une femme perchée sur le balcon du Club Silencio murmure « Silencio » alors que l'écran redevient noir. »[17]. Néanmoins, ces tentatives téléphoniques n'aboutissent pas à recréer des liens comme en témoigne l'échange infructueux entre Adam et sa secrétaire à propos des problèmes de tournage[123]. Selon Ruth Perlmutter, les capacités d'actrice de Betty incitent à se demander si elle ne joue pas le rôle de Diane dans un rêve ou dans une parodie de film qui se retourne finalement contre elle[99]. Adam et Camilla s'apprêtent à faire une annonce importante (leur mariage) mais ils n'y parviennent pas et s'éparpillent en rires et baisers ; Diane les observe en pleurant. Découvrez les idées de génie de GiFi tout au long de l'année sans oublier les soldes et le Black Friday pour faire des affaires à prix discount. Watts a déclaré qu'elle avait essayé de flouer Lynch en lui faisant croire qu'elle avait résolu l'intrigue, et que lui-même se délectait de la frustration des acteurs[9]. Elle n'est pas simplement en difficulté, elle est la difficulté. La fragmentation spatiale se double d'une fragmentation sociale symbolisée par les nombreux appels téléphoniques au cours du film : « les lieux reliés par le téléphone font figure d’îlots décontextualisés, hors de tout véritable tissu urbain qui les mettrait spatialement en relation avec d’autres lieux ». Cette référence géométrique avait déjà été envisagée pour envisager la structure narrative de Lost Highway[97]. Son objectif est atteint si l'on se pose des questions. Le scénario comprend des éléments profondément ancrés dans le monde réel et d'autres appartenant au genre fantastique, c'était déjà le cas dans la précédente série de Lynch, Twin Peaks. Del Rio, qui a popularisé la reprise en espagnol et qui a reçu son premier contrat d’enregistrement grâce à cette chanson, explique que Lynch s'est déplacé à Nashville où elle vivait ; elle a chanté ce morceau pour lui sans savoir qu'il l'enregistrait. Le journal britannique The Guardian a interrogé six critiques de renom pour connaître leur propre interprétation du sens général de Mulholland Drive. La marche à la guerre en Europe a été rythmée de façon constante par les initiatives allemandes. Ainsi, la Los Angeles de la fin du film décrirait une sorte de descente aux enfers en montrant la ville et la population qui ne participent pas à la success-story rêvée au début du film : il s'agit du fast-food Winkie's avec le clochard monstrueux, ou bien encore des maisons décrépies de Sierra Bonita où le cadavre est découvert[125]. »[91]. Dans la journée, on est aussi sur le toit du monde, mais c'est mystérieux, et un brin inquiétant quand le parcours atteint des endroits reculés. Betty et Rita, après avoir frappé à la porte de l'appartement de Diane Selwyn sans succès, y pénètrent par une fenêtre qui n'était pas verrouillée. David Sterritt, critique au Christian Science Monitor s'accorde avec Lynch pour dire que le réalisateur « a insisté sur le fait que Mulholland Drive raconte une histoire cohérente et compréhensible », contrairement à certains films plus anciens de Lynch[90]. C'est intrigant. Daniel Schweiger, journaliste spécialiste des musiques de film, observe que la participation de Badalamenti à la bande originale alterne entre « la crainte que provoquent des cordes presque immobiles jusqu'au jazz de film noir et au retour audio », où « les rythmes s'élaborent pour atteindre une explosion d'une noirceur infinie. La chaîne de télévision américaine Independent Film Channel a choisi Betty et Rita comme couple romantique emblématique du cinéma des années 2000. Le réalisateur lui-même habite à proximité de Mulholland Drive, dans une interview il dit : « La nuit, on est sur le toit du monde. Il paraît toutes les six à huit semaines et est distribué dans les écoles aux 217 000 élèves du CP au CM2 de l'académie de Grenoble (Isère, Savoie, Haute-Savoie, Drôme et Ardèche) et à leurs professeurs. Cette édition est dépourvue de chapitrage Lynch considérant que cela « démystifie » l’œuvre, au même titre que les commentaires audio[66]. an intoxicating liberation from sense, with moments of feeling all the more powerful for seeming to emerge from the murky night world of the unconscious. En Amérique du Nord, le film est vu par plus de 1 300 000 spectateurs aux États-Unis et par environ 30 000 spectateurs au Québec ; en Europe, les meilleurs résultats sont effectués en France où il attire plus de 800 000 spectateurs. Sur conseil de son agent, il accepte de rencontrer un mystérieux personnage appelé Le Cowboy : celui-ci l'exhorte à embaucher Camilla Rhodes pour son propre bien. ». Lynch fait figurer deux chansons des années 1960 l'une après l'autre ; elles sont jouées alors que deux actrices auditionnent en effectuant du playback. Au total, la directrice de casting Johanna Ray avait attribué cinquante rôles parlants rien que pour le pilote[14]. Justin Theroux a dit à propos de son rôle : « Il est en quelque sorte le personnage du film qui ne comprend rien à ce qui se passe. Lynch rapproche spatialement et symboliquement la villa du monde factice des studios : le bonheur de Betty a déjà quelque chose de faux. »[100] L'être monstrueux du rêve, sujet de la conversation des hommes au restaurant, apparaît à nouveau à la fin du film, juste avant et juste après que Diane se suicide. Au lieu de se venger de la terrible humiliation que lui a fait subir Camilla, comme cela est suggéré dans la conversation que Diane tient avec le tueur à gages incompétent, un critique considère Rita comme la représentation vulnérable issue du désir de Diane pour Camilla[136]. Cette absence de transition suggère que le ranch et le panneau Hollywood appartiennent à des univers distants spatialement et symboliquement. Dans la chambre, elles découvrent le cadavre d'une femme morte depuis plusieurs jours.

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